… geht an Herta Müller

„who, with the concentration of poetry and the frankness of prose, depicts the landscape of the dispossessed“

Hm, …

Veröffentlichung 28. Septembe via Junodownload.com oder direkt

Besprechung findet sich erstmal nur unter diesem Link.

Death Star Droid

Away From

Hard To Find

Love And The Machine
Song Nummer 2 dieses Mixes

People Are Strange feat. Grace

While feat. Manya

Heaven

Memories

Gorom Sen
Snippet bei Juno (siehe oben)

A Song Formerly Known As Tooth

r

Das dritte Album von Telefon Tel Aviv trägt bereits auf dem Cover offensiv vor sich her, wodurch es sich definiert: Verwobene Strukturen und offenbare Schönheit, verblasste analoge Farbgebung der Achtziger des 20sten Jahrhunderts und Ideale des 21sten Jahrhunderts. Joshua Eustis und Charles Cooper präsentieren sich auf „Immolate Yourself“ als elektronische Schuhstarrer mit Verständnis für den großen Pop-Appeal.

Eine klangliche Revolution – oder ein scheinbarer Umsturz – bekannter Klangmuster, die vielfach von jeder Neuerscheinung erwartet wird, die manchmal allein in der Lage scheint, einem Album die verdiente oder nötige Aufmerksamkeit zu sichern, lässt sich von dieser Musik nicht erwarten. Nichtsdestotrotz fügen die beiden Chicagoer bei ihrem Debüt auf BPitch Control die bekannten Bestandteile zu einem faszinierenden, begeisternden, einfach gefallenden Mix. Wieso muss auch immer alles neu wirken? Mit einem unwahrscheinlichen Gespür für große Pop-Melodien oder aber einfach mit dem gut geschulten Ohr für diese schaffen Eustis und Cooper zehn Tracks, die bei jedem Hören neue Eigenschaften zeigen, die immer wieder aufs Neue erschlossen werden können. Dies gelingt, da die poppigen Melodien, die gelegentlich haarscharf am Kitsch vorbeischrammenden Ohrwurmkerne der Stücke unter vielen, tiefen, dicht mit einander verwobenen Schichten versteckt werden. Eine Aussage der beiden Musiker aufgreifend, verleihen verschiedenste Filterprozesse den Stücken verschiedene Grade der farbigen Sättigung, versehen sie mit Schlieren, lassen sie grobkörnig, kratzig und staubig, verzerrt erscheinen. Nicht die Schönheit der Melodie wird direkt wahrgenommen, vielmehr versteckt diese sich in einer interessanten klanglichen Landschaft, die erst erforscht werden muss. Elektronisches Shoegazing trifft auf einen Pop, der ganz tief in den 80ern wurzelt, der ebenso an Depeche Mode wie A-Ha wie New Order erinnert.

Eine solche Reminiszenz an Elemente des kollektiven Popkulturbewusstseins verbindet Telefon Tel Aviv mit den Junior Boys. Es sorgt zudem manchmal für das Gefühl, die Musik plätschere so an einem vorbei. Eine potentielle Beleidigung, die aber ebenso häufig durch Momente des plötzlichen Aufhorchens gebrochen wird. Läuft die Musik zunächst nur als Begleitung, dringt sie unerwartet tiefer in das Bewusstsein ein, fesselt und fordert jäh volle Aufmerksamkeit. Seien es die fokussiert knackigen, runter gebremsten Beats in „Your Mouth“ oder der pulsierende, stetig sich entwickelnde und um sich selbst kreisende Synthesizer in „Made A Tree On The World“, sie geben den Songs eine verzehrende Wirkung. Sollte dieser Effekt bis zu „Made A Tree“ noch nicht eingetreten sein, zieht spätestens das düster dröhnende, den Pop nahezu vollständig zur Seite schiebende „Your Every Idol“ in seinen Bann. Überhaupt ersteht die Platte im letzten Drittel quasi neu aus der eigenen Asche. Aus dem ausklingenden „Your Every Idol“ erhebt sich das erhabene „You Are The Worst Thing In The World“ als zweiter großer Hit des Albums neben dem an A-Ha gemahnenden „Helen Of Troy“. Den Abschluss macht der atmosphärisch düstere Titeltrack.

Zwischen den vielen Synthesizer-Schichten und den Melodien und Beats der 80er Jahre scheint immer wieder die Vergangenheit von Telefon Tel Aviv mit glitchigen Anmutungen und analogen Beatstrukturen durch. Die Hauptbestandteile aus extremer Zugänglichkeit und klangschaftlicher Unterkühlung, aus Bombastpop und Shoegazing mit immer elektronischen Mitteln mögen vollkommen vergangen wirken, allerdings erhebt gerade diese Verbindung zweier potentiell angesagter Revivals „Immolate Yourself“ zu einem wirklich interessanten Album. Seine Veröffentlichung auf BPitch Control mag zunächst nicht vollkommen passend erscheinen, aber sein in gewisser Weise extrem berlinesker Klang gibt dieser doch Schlüssigkeit.

Eine der wichtigsten Funktionen jedweder Form der Pop-Musik dürfte ihre euphorisierende Wirkung sein. Pop macht glücklich. Oder besser, guter Pop macht glücklich; und wenn Glück Unglück bedeutet, eben traurig. Insofern muss Montags drittes Album guter Pop sein, denn ganz sicher macht es – in weiten Teilen – glücklich, euphorisiert den Hörer.

Nicht nur deshalb, sondern mehr noch wegen der enthaltenen rauen, doch swingenden, sperrigen, und doch hymnisch rockenden Popnummern sollten Montag eigentlich auf dem festen Weg zum Erfolg sein; wenn denn, ja wenn, die üblichen Verdächtigen, die Kettcar- oder, ganz anders, die Annett-Louisan-Fans, die Anajo- und Virginia-Jetzt!-Hörer, sowie die Programmmacher im Radio Ohren haben, zu hören. Das gilt nicht zuletzt, weil das Thema des Albums das große Thema des Pop ist. Es geht um die Liebe, nicht immer gerade heraus, häufig innerlich beschwert, fast immer den Hörer greifend.

Montag feiern den Alltag der Liebe, die schwierigen Entscheidungen, das kurze Glück des Augenblicks, die scheinbare Vorbestimmtheit, die doch nur Ausdruck des deterministischen Chaos ist. Die offenbare Schönheit im Gelingen und die versteckte im Scheitern finden Ausdruck in ausufernden Arrangements, die den Bombast der Gefühle mittels Streichern in Musik umwandeln. Selten bricht sich die volle Tragik so ungehindert Bahn wie im düster-ruhigen und überlangen „Nachtfahrt“ oder im akustischen Rausch von „Morgens“. Auch das abschließende „Part 3“ betont den Verlust, und gibt sich ihm mit vollem Streichereinsatz hin. Solche Ruhe findet sich vornehmlich in diesem abschließenden Dreiklang. Dagegen verdeutlicht schon das erste Stück „Part 1“ die bombastische Perfektion der Arrangements voller Streicher und überschäumender Emotionen, die dieses Album auszeichnet. Danach rockt „Heute Ist Montag“ im eigentlich von Bernd Begemann bekannten Stil los, will aber dennoch nicht auf die Streicher verzichten. Euphorisch beschwingt widmet sich „Sommernacht“ dem ersten Moment des unwahrscheinlichen, sofort entflammenden Aufeinandertreffens, um im nächsten Moment von der reflektierenden Weisheit „Was Wir Sagen“ voll drohendem, elektronischem Pochen und Vibrieren geerdet zu werden.

Nach dem Hören des dritten Montag-Albums, dieser Ansammlung von Gefühl und Tragik, dieser Feier der Liebe und ihrer subtilen Lichter und Schatten, der hymnischen Schönheit des präsentierten Pop bleibt nur die Befürchtung, das Publikum könne Montag ignorieren, nur weil sie auf Deutsch singen. Es bleibt die Sorge, dieser monumentale Pop könnte nur sicher Stadien ausverkaufen, die Welt regieren und die Mächtigen der Welt zu Tränen rühren, wenn er auf Englisch wäre. Sollten diese Ängste zutreffen, ständen Montag in der langen Reihe der wunderbaren unbeachteten, grandiosen unerfolgreichen Pop-Alben aus Deutschland, wie sie jedes Jahr aufs Neue erscheinen. Jener Pop, der nicht Indie genug für die Coolen und nicht seicht genug für alle anderen ist, jene perfekte Musik, die im falschen Moment die richtigen Gefühle erregt.

Dem Genre Drum’n’Bass vorzuwerfen, es habe sich in den letzten zehn Jahren zu sehr verändert oder gar weiterentwickelt, ist kaum möglich. Dennoch gibt es sicherlich genug Menschen – und nicht nur Hardcore-Fans – die sich, vor die Wahl gestellt, nur noch ein musikalisches Genre hören zu dürfen, für die Broken Beats und den Bass, die Samples, die atmosphärischen Flächen im Wechselspiel mit harten Breaks des D’n’B entscheiden würden.

Marcus Intalex’ zweite „DAT:Music“-Compilation auf seinem Label Soul:R bietet da einen ebenso guten Einstieg wie jeder andere halbwegs brauchbare D’n’B-Sampler oder aber zum Beispiel die DJ Kicks von Kemistry & Storm. Er versammelt hier auf zwei CDs neben eigenen Tracks (vier an der Zahl) Stücke von unter anderen Lomax, Chris Coda oder Calibre. Neben einigen allein vorwärts fokussierten Krachern finden sich zahlreiche atmosphärisch dichte Produktionen (zum Beispiel Lynx vs. Hellrazor mit „Shady Pastimes“ oder Lomax’ „Too Real“). Vor allem aber das eröffnende „Newport“ von Naibu verbindet auf voraus denkende Art und Weise die genretypischen Eigenschaften schneller Breakbeats, atmosphärischer Flächen und sacht dröhnender Bässe. Auch das atmosphärisch blubbernde „Underwater Scene“ von Commix hält alles, was sein Name verspricht. Unter den reduzierten, chilligen Tracks sticht Martyns „JW On A Good Night“ alles aus.

Darüber hinaus deutet nicht nur „Monarch“ von Zero T & Mosus die Nähe des aktuellen D’n’Bs zu Minimal an. Disko-Sirenen hinzugenommen, und es entsteht ein absoluter Hinhörer. Zu den Tracks, die jedem Tanzwütigen Freude bereiten, gehört vorneweg Calibres „Can’t Get Over You“, das so jedoch sicherlich auch vor zehn Jahren schon möglich gewesen wäre: etwas, was auch auf S.P.Y. vs. Kiats „Close Encounters“ zutrifft. Lomax’ „Resist“ dagegen prescht modern und futuristisch gen Hardcore. Beide Seiten – Ruhe und offensive Tanzflächenorientierung – verbindet der Commix-Track „Life We Live“ vorbildlich.

Die Dichte qualitativ hochwertiger Tracks empfiehlt Marcus Intalex’ Präsentation von „Dat:Music 2“ nicht nur Genre-Fans, sondern ebenso dem interessierten, potentiellen Neu-Konvertiten. Wirkliche Ausfälle sind Fehlanzeige, und alle Tracks offenbaren immer wieder neue Qualitäten, die ein Herausstellen von absoluten Highlights schwer machen. Munitionen.de bezeichnet Intalex Label Soul:R nicht umsonst als „Aushängelabel für deepen, funkigen und souldurchtränkten Drum&Bass“, was das britische Mixmag ergänzt um die Aussage, es sei das beste Label überhaupt im Drum’n’Bass. „Dat:Music 2“ kommt warm, tief und mitreißend um die Ecke.

Sicherlich, Diplo aka Wes Pentz ist 2009 nicht nur einer der gefragtesten Produzenten und Remixer, vor allem bildet sein Blog eine der lohnendsten Fundgruben in Sachen Dance-Grooves im Netz. Nichtsdestoweniger tritt „Decent Work For Decent Pay: Collected Works Volume 1“ als ziemlich halbgare Angelegenheit auf den Plan.

Diplos vertretene Produktionen und seine eigenen Tracks funktionieren im Kontext einer solchen Sammlung, eines derartigen Überblicks seines Schaffens seit seinem Album „Florida“ zumeist gut, doch seine Remixe für M.I.A., Spank Rock, Bloc Party, CSS oder insbesondere Peter Björn & John lassen vielfach die nötige Frische vermissen oder bleiben gar – retrospektiv gesehen – hinter den Originalen zurück. Insbesondere M.I.A.s „Paper Planes“, Bloc Partys „Where Is Home?“ und PBJs „Young Folks“ gewinnen druch Diplos Bearbeitung kaum bis überhaupt keine zusätzlichen Qualitäten. Auch seine Produktion für Kano stinkt im Vergleich zum auf der Compilation vorhergehenden Spank-Rock-Track deutlich ab. Sein möglicherweise manchmal etwas unfokussiertes Können beweist er jedoch zum Beispiel im Interlude „200“.

Natürlich machen Tribal-Percussion, Synthesizer-Drones und der hüpfende Beat aus Bloc Partys „Where Is Home?“ einen sowohl atmosphärischen wie tanzbaren Monstertrack, aber dieser hat relativ wenig mit dem Original zu tun und beraubt dieses weitgehend seiner Spannung. Ein von Wentz produziertes Bloc-Party-Album wiederum … Eine Vorstellung, die ebenso unwiderstehlich ist, wie das hier vertretene „Solta O Frango“ von Bonde Do Role oder Samims „Heater“ – allerdings bedurfte letzteres einmal mehr nicht wirklich des, immerhin gelungenen, Remixes.

Eher anstrengend kommt indes der Remix des Black-Lips-Tracks „Veni Vidi Vici“ daher, bleibt aber gerade deshalb interessant – zwei Eigenschaften, die er mit dem Diplo-Original „Smash A Kangaroo“ gemein hat. Beide Tracks wiederum gehören mit dem weiteren Original „Way More Brazil“ zu den lohnenderen oder lichteren Momenten auf „Decent Work …“.

Eine Fundgrube ist diese Compilation ebenso wie der Blog auf maddecent.com. Trotzdem überwiegen auf CD-Länge der Schatten oder die Langeweile der Reaktion „Kenn’ ich schon“. Die Netzmaschine dürfte dennoch dafür sorgen, dass Label Big Dada und Künstler Diplo sich demnächst in den Bestseller-Fächern großer Elektrofachmärkte wieder finden. Was immer das quantitativ und qualitativ aussagen mag.

Klavier und Cello und Vogelgezwitscher, piano bis pianissimo. Die Tasten fließen ruhig, die Saiten gleiten auf majestätischen Schwingen. Einzelne energische Flügelschläge sichern die Bewegungsrichtung, manche Welle bricht rauschend am Ufer.

Naturbilder lassen sich leicht mit „The End Of Trying“, dem neuen Dakota-Suite-Album, assoziieren. Ebenso gut findet der Hörer in dem gleichtönigen und gebremst voranschreitenden Wechselspiel von Klavier und Cello aber Eindrücke und Ausdrücke des postmodernen Alltags im Achtstunden-Fünftage-Trott.

Chris Hooson und seine Dakota-Suite-Kollegen David Buxton sowie Colin Dunkley tragen zu gleichen Teilen das Klavierspiel bei. Dort hinein faltet sich, dessen Flächen durchbricht David Darlings Cello. So wenig wahrscheinlich die Kombination aus Dakota Suite und David Darling trotz der Nähe der Band zu Jazz-Rhythmik zunächst erscheint, so perfekte instrumentale Stücke ergeben sich aus der Zusammenarbeit, und so harmonisch ist doch das Interagieren der Meister der Ruhe aus Liverpool mit dem E-Musiker Darling, der mehr für seine Jazz-, Ambient-, Klassik- und Filmmusik-Arbeiten bekannt ist.

Frohgesonnen klingt „The End Of Trying“ nie, wiewohl gelegentlich eine stille Hoffnung die bedrückte Last der Stücke durchdringt. Der Vogelgesang in „A Quietly Gathering Tragedy“ gehört zu diesen Momenten, und die zart eingesprenkelten Dur-Momente in „Hands Swollen With Grace“ gewinnen dem Leiden etwas Positives ab. Auch sonst verliert der Hörer im Verlauf des Albums nicht jedes Zutrauen zum Leben. Vielmehr strömt „The End Of Trying“ die komfortable Wärme eines Schneesturms aus, der vom sicheren und eben warmen Fenster beobachtet wird.

Die sechzehn Stücke prägt ein gemeinsamer Grundcharakter oder sogar eine gewisse Ununterscheidbarkeit. So sehr das langweilen kann, so sehr schafft dies auch ein Wohlgefühl im Klingen der Musik. Das zentrale Stück des Albums ist dabei die viergeteilte Titelnummer. Spätestens, wenn zu Beginn von Teil drei das Cello sich langsam aus den Klavieranschlägen erhebt, geht das Herz auf. Den Reiz dieser klingenden Stille erzeugt auch der unaffektierte und arglose Charakter der Aufnahmen, der nicht nur das Vogelgezwitscher vor dem offenen Fenster zulässt, sondern den auch das Geräusch des Tretens der Klavierpedale nicht stört.

In dieser Ruhe überzeugen tatsächlich noch einmal die stilleren Momente besonders: das Ausklingen der Tastenanschläge, das Nachvibrieren der Saiten. Dann aber auch genauso die kleinen Ausbrüche: jene aufstrebenden Tonfolgen, die einzelnen, überraschenden Takte, die spontan Wellen von Gänsehäuten über den Körper jagen wie in „How Could You Let Me Go“, wie in „Things We Lost Along The Way“. Nach einer guten dreiviertel Stunde durchbricht dann „Z-Cars“ den Gleichklang. Rauschender, dröhnender, hallender als der Rest. Unklar bleibt, ob das Klavier hier durch den Computer geschickt oder einfach manuell klanglich manipuliert wurde, um so zu klingen wie eine Klanglandschaft zwischen M83, My Bloody Valentine oder aktuell The Sight Below. Klar ist: Dieses plötzliche Klangvolumen stört, es reißt einen aus der Atmosphäre des Vorhergehenden, aber das soll es wohl auch. Es soll uns in die Realität zurückholen.

Dakota Suite und David Darling gelingen sechzehn Stücke voller Tragik, indes ohne übertriebene Dramatik. Musik für die stillen Momente des Lebens ist zu hören. Inszenierungen des Alleinseins oder zumindest Alleinfühlens und für den Alleinseienden oder Alleinfühlenden.

Die Techno-Rave- und Indie-Rave-Meute der Ed-Banger- und Kitsuné-Jünger erhält neues Futter. Das Tigerbeat6-Sublabel Tigerbass präsentiert mit seiner ersten Labelschau seinem Namen entsprechend eine Sammlung voller Bass, Bass und noch einmal Bass.

Kid606, C.L.A.W.S., Luke’s Anger, Dolby Anol, Com.A, White Williams und The Six Million Dollar Kid sind nur einige der vertretenen Label-Acts und Gäste. Allesamt verfolgen sie ein einziges Ziel: den Hörer zu erschöpfen, ihn auf der Tanzfläche zum letzten zu reizen, eine Synapsenüberlastung zu erzeugen. Die Compilation geht durchgängig und ausschließlich auf die hedonistische Zwölf. Neonfarben und Leuchtstäbe inklusive. Nachdenken ist keine Option, Pillen, Tröpfchen und ähnliches umso mehr. Entsprechend nervig erscheint „Tigerbeat6 Presents Tigerbass Volume 1“ gelegentlich, phasenweise, auf Dauer. Genauer: C.L.A.W.S „Canteloupe“, „Working Overtime“ von Luke‘s Anger und Kid606s „Roppongi Sunrise“ als erste drei Tracks der Veröffentlichung stellen ungefähr die tolerable Dosis qualitativ hochwertigen Bass’ dar. Dolby Anol mit „Heather I‘m Dry“ überschreitet als vierter Track die per Packungsbeilage empfohlene Dosis. Ab da macht sich eine gute Portion Langeweile breit.

Das beschreibt allerdings in keiner Weise die Qualität der restlichen Tracks, es bezieht sich allein auf die Quantität, die wirklich nur auf Droge – und seien es körpereigene Hormone – erträglich erscheint. Qualitativ spielen alle Künstler und Tracks mehr oder weniger in der gleichen mittleren Spitzenklasse. So sehr sich dabei ihre eingesetzten Mittel unterscheiden, so enden die Nummern doch meist in der gleichen wackeligen, „wonky“ Bass-Rave-Kulisse. Kleine Ausnahmen bilden das technoide „1992“ von Bruce Stallion / Black Rabbit, der aggressive Kid606-Remix von Luke’s Angers „Work That Mod“ oder der Glitchtechno „4 On The Floor 2012“ von Eats Tapes. Hinzu gesellt sich die poppige White-Williams-Grundlage „New Violence“ für einen weiteren Kid606-Remix. Mit Alex Pasternaks „Yela Boom“ schleichen sich dann sogar Baile-Funk-Anleihen ein.

Fazit? Das kann man hören, das kann man auch unbedarft kaufen. Probehören und Auswahl einzelner Tracks könnte wiewohl die bessere, weil gesündere Herangehensweise sein. Für die Justice-Digitalism-Mr-Oizo-Kiddies – äh, Fans – bieten sich insbesondere „Heil Mary“ von Dolby Anol, d.Damages „Jb Savage“ und Sickboys „Informulator“ an. Wem der Neo-Rave doch eher auf die Nerven fällt, der greife zu „1992“, „Bad People Get Laid“, „4 On The Floor 2012“ oder „New Violence“.

The Prodigy begeistern seit ihren frühen Tagen (oder begeisterten in diesen Tagen) Electronic-Noise- wie Rock-Fans mit ihren hart rockenden Beats. Immer schwang und schwingt bei ihnen eine Wurzel im UK-Garage-Sound mit. Für viele verlor die Band zwar schnell ihren Reiz, die Soundästhetik jedoch überlebte: Die Mischung aus Rock und Garage, sowie Rock und harten Dancetunes findet sich seitdem bei ungezählten Acts. Im Jahr 2008 versuchten Hadouken! mit verpoppten Versionen der Mischung aus Garage und Indie die Hype-Gläubigen zu faszinieren. Auch die Drum’n’Bassler von Pendulum verschoben ihren Sound in Richtung Stadionrock. Mit Abstrichen ordnen sich auch Enter Shikari in die Nachfolge von The Prodigy ein.

Wie bei Hadouken! mischt sich im Hören des The-Qemists-Debüt-Albums „Join The Q“ Faszination über den Rock-Band-Ansatz eines Garage-Albums – hier vornehmlich Drum’n’Bass – mit Grauen ob der Umsetzung. Hat die Welt wirklich auf ein solches Breakbeat-Feuerwerk in Band-Umsetzung gewartet? Nein, oder … etwa doch?

Es verhindert auch keine Mike-Patton-Kollaboration die Feststellung, dass es sich hier weitgehend um ziemlichen Müll handele. Dummerweise um Abfall, der ein Eigenleben besitzt und den Hörer ganz fürchterlich in den Hintern tritt, die Beine in Bewegung setzt, den Verstand ausschaltet – chemisch oder psycho-aktiv wirksam also und vor allem hochinfektiös. Die nachhaltig lohnenden Tracks streut die Band vereinzelt, aber selbst die schlechten Tracks beinhalten immer mindestens eine halbe gute Idee. Die „Zukunft der Musik“ ist das Album dennoch sicherlich nicht, aber es besitzt ein hohes Maß der nötigen dreckigen Energie für den guten Augenblick.

Meist deutlich an den Breakbeats des Drum’n’Bass orientiert, aber offenbar nur mit den Songwriter-Fähigkeiten einer mittelmäßigen Rock-Band gesegnet, versuchen The Qemists, elektronische Hardcore-Monster im Stile eines Alec Empire zu schaffen, präsentieren aber auf dem Album Songs mit durchschnittlich so wenig visionärer Kraft wie Linkin Park und deren Rap-Projekte – nachzuhören vor allem im Track „Drop Audio“ mit MC ID. Dafür feuert selbst dieser Track aus allen Maschinengewehrrohren und mit einer Gewalt, als hätten Rage Against The Machine sich nicht zum rein finanziellen Comeback, sondern zur Selbsterneuerung im Electroclub eingefunden.

Als mehr oder weniger Totalausfälle, die dem Hörer trotzdem effektiv die Zähne austreten, entpuppen sich – neben „Drop Audio“ – „When Ur Lonely“, „Lost Weekend“ mit Mike Patton und das eröffnende „Stompbox“. Restlos überzeugen dagegen Nummern wie das sphärische „Got One Life“ mit Navigator oder der Grime-Rock-Hit „Dem Na Like Me“ der Wiley ans Mikrofon lässt. Den Kehraus jedweder Gegenstimmung, den vollkommenen Meinungsumschwung, die restlose Begeisterung, die im ersten Albumdrittel bereits Jenna G. in „On The Run“ und im Mittelteil „S.W.A.G.“ andeuten, führt das treffend betitelte „The Perfect High“ zum Abschluss herbei. Um die Schizophrenie der Meinung, die Begeisterung wie den Ekel auf den Punkt zu bringen: So erbarmungslos, so feindselig den Gehörgängen gegenüber, wie „Stompbox“ voran prescht, ist selbst ihm eine positive Widmung nicht zu nehmen.

Die Indiefizierung und Rockisierung des Electro schwemmt eine Band nach der anderen nach oben, deren Musik sich bei näherer Betrachtung meist als langweilig erweist. Bei The Qemists deutet sich größeres Potential an. Bis sie es umsetzen, muss aber wohl einiges an Rocker-Vergangenheit abgelegt oder zumindest kreativ umgewandelt werden. Da ändert auch nichts dran, dass sie seit mehr als zehn Jahren als Drum’n’Bass-DJs unterwegs sind. Vielleicht müsste einfach noch die ein oder andere Mike-Patton- oder Alec-Empire-Platte mehr und gründlicher studiert werden. Aber wen kümmern schon solche Kritteleien, wenn die Musik mit der gezeigten Energie voranprescht?

Bei der Besprechung all der zu beachtenden Kleinigkeiten fragte der Bestattungsunternehmer, ob denn ein bestimmtes Musikstück im Rahmen der Trauerfeier gespielt werden solle. Eine Frage, die spätestens seit Nick Hornby in der Tat vertraut sein dürfte. Dennoch überraschte sie und wurde verneint. Hätten aber Smetanas „Moldau“ oder Felix Mendelssohn Bartholdys „Italienische“ gepasst?

Erstaunlich ist, dass bisher noch keine Plattenfirma auf die Idee kam, eine solche Frage an Künstler oder Prominente heranzutragen, bzw. sie unter Umständen einfach noch nicht vollständig umgesetzt hat. „Was wäre deine gewünschte Abschiedsmusik, sollte das Stück sein, das deine letzten Momente begleitet?“ Tatsächlich reizt eine Zusammenstellung egozentrischer Selbstdarstellungen von David Beckham, Tom Cruise, Madonna oder Oliver Pocher aus den Häusern Universal, Edel oder EMI kaum bis gar nicht; fände aber sicher reißenden Absatz.

Glücklicherweise hat es zuerst ein so genannter Indie – nämlich die Electroheimat Get Physical – gewagt, die durchaus unverschämte und die Privatsphäre potentiell verletzende Frage an DJs heranzutragen und die Antworten hier vorliegend im Rahmen einer Compilation zu veröffentlichen. Die Namen der angefragten Künstler garantieren bereits ein Ausbleiben musikalischer Ausfälle wie auch eines peinlich berührten Fremdschämens. Dennoch und unabhängig von den Kommentaren der Antwortenden erlaubt die individuelle Auswahl jeweils Einblicke in die Persönlichkeit. Dies bildet dann in der Tat einen Hauptreiz der Sammlung, neben der Herausforderung an den Hörer selbst, sich jenseits von Zukunftsangst oder Egozentrik mit der eigenen Endlichkeit und den dreizehn hochklassigen Tracks, die untereinander aber relativ wenig Kohärenz besitzen, auseinanderzusetzen. Letzteres schadet dem Mix-„Tape“ jedoch nicht.

Get Physical präsentiert auf „Final Song Volume 1“ die letzten Lieder von Künstlern wie DJ Hell, Storm, Laurent Garnier, Gilles Peterson, Coldcut und Ricardo Villalobos. Ausgewählt wurden von diesen und mehr unter anderem The Stranglers („Golden Brown“), The Beach Boys („’Til I Die“), Cerrone („Supernature“), Radiohead („Sit Down Stand Up“), Photek („Modus Operandi“), Link („Amenity“), Brian Eno („An Ending (Ascent)“), Erik Satie („1. Gymnopédie“) oder Pharoah Sanders („Astral Travelling“). Klassik, Pop, Electro, Disco, Alternative, Oldies, Ambient, Folklore, Techno und Jazz gehen in harmonischer Weise ineinander über und führen auf eine Entdeckungsreise, die selbst altbekannten Stücken neue Dimensionen verleiht. „Final Song Volume 1“ ist eine spannende, eine sogar rührende und möglicherweise sogar wichtige Compilation. Eine Sammlung, bei der jeder Song bei jedem Hörer ganz neue, eigene, kontextbezogene Assoziationen hervorruft.